The 4 Best Upright Basses – Double Bass Reviews 2017

The deep, warm tone of an upright bass is the foundation of an orchestral string section and an integral part of the groove for many jazz ensembles. When you’re shopping for a bass, you want to find something that will give you depth and warmth, especially in the low end, without losing clarity or sounding muddy.

The type and treatment the tonewoods used to construct the instrument’s body have the most influence over its sound, while the construction techniques used will have the biggest impact on the instrument’s durability. A large instrument like a double bass (we use the terms “double bass,” “upright bass,” and “string bass” interchangeably here for they’re the same thing) can be an equally large monetary investment, and finding a model that will last you for many years to come will save you lots of expense and heartache down the line.

The four basses on this list both sound great and are very durable and playable—and though no upright bass comes cheap, they’re some of the top-valued instruments on the market. Below are, in our humble opinion, among the best upright basses on the market.

Cremona SB-4

Modeled after their previous SB-3 line, the SB-4 keeps the best aspects of the previous model but also upgrades some of the materials and construction. The end result is a professional-level bass  that sells for half the price of comparable models. It uses flamed maple on the back and sides and the construction is impeccable, with double body kerfing and an arched back.

The solid spruce top is hand-carved; the bridge is made of seasoned northern maple, while the fingerboard is ebony, meaning it’s built of quality tonewoods from top to bottom that will make your tone sing and give you an incredible response. The contoured neck profile also means it’s more comfortable to play, letting you play longer—and sound amazing while you’re doing it

Becker 5000E

Becker uses well-seasoned tonewoods in the construction of all their basses, aging it over time to give their instruments a richer, sweeter, more complex sound. They’ve also chosen tonewoods that will enhance this complexity. The top of this model is made of laminated spruce, with maple for the back and sides, a classic combination that gives you a good balance of tone and power.

As far as the hardware goes, it uses ebony for the nut, tailpiece, and fingerboard and features a fully-fitted maple bridge and German machine heads. The bow that comes included is a Glasser model that uses a German grip for volume and power, complementing the rich tone of the instrument. This should be on anyone’s list of the best upright basses.

 

 Merano MB400

Merano is known for their colorful instruments, but there’s more to their line of basses than just the eye appeal. The MB400 uses similar tonewoods to other models on the market, with spruce on the top and maple on the back and sides. It also comes with a genuine horsehair French grip bow, which only makes it more of a value at $800.

This instrument is designed with a classical orchestra in mind but could also serve well in a jazz setting. The alloy tailpiece and ebonized fingerboard are extremely durable, and the high-quality arched back construction makes it perfect to gig with—one of the best string basses around.

Rata Beginner Upright Bass

Like it says in the name, this is an excellent choice for the bass student who’s ready to own his or her own instrument, but isn’t ready or able to spend thousands of dollars. The construction of the body is similar to the models above, with a laminated spruce top and maple on the back and sides.

The best thing about this bass for a student is its durability. It can take quite a bit of abuse without taking damage, excellent for a beginner who’s still learning how to play and handle it. This dependability also makes it an excellent back-up bass for a more experienced player, since you can use it at outdoor gigs and in other environments you’d be wary of using a more expensive instrument.

  

Seasoned Tonewoods

You’ll probably notice reading through the descriptions that the materials all sound very similar. Many of the best upright basses use spruce for the top and maple for the back and sides. This combination gives them the resonance and rich low-end you want in a bass while still allow for crisp attacks and articulations. The difference between models tends to come from which variety of wood is used, where it was grown, and how it was cut and treated.

You’ll often hear the term “seasoned wood” used when talking about orchestral string instruments. Seasoning is a process by which the wood is dried and aged before being used to build the bass. Seasoning the wood makes the tone sweeter, darker, and more complex. The seasoning process doesn’t stop after construction, either; this is the main reason vintage violins and cellos are so sought after. Because it has to be stored somewhere while it’s aging and takes more effort to produce, it’s generally true that instruments made from seasoned wood are more expensive than those that aren’t, though for many players the improvement to the sound is well worth the extra investment.

Sizes of the Best Double Basses

Upright basses come in four sizes (1/4, 2/4, 3/4, and 4/4) which describe the scale length and height of the instrument. A 4/4, also called a full-sized bass, has a height of 74.8 inches and a scale length of 43.3 inches. A 3/4 bass, meanwhile, has a height of 71.6 and a scale length of 41.3 inches; 2/4 and 1/4 instruments are proportionally shorter. While those numbers above probably look pretty precise, there is some variation between individual manufacturers, as well, in terms of the exact scale length and instrument height, largely because so many professional upright basses are still made by hand.

There is no inherent quality difference between the different sizes of bass. It is more a matter of player comfort than it is one of sound quality. The 3/4 bass is by far the most popular size among students and professionals alike. Though 4/4 basses have been gaining popularity in recent years, unless you are exceptionally tall or have very large hands, there is no need to specifically seek out a full-sized bass. Even tall players may still find a ¾ size gives you a more comfortable playing experience.

As with most things concerning musician instruments, the best way to find out which size is best for you is to visit a musical instrument shop and try holding and playing various instruments in various sizes (then buy it there or online if it’s cheaper). Even if you don’t plan on buying the exact model they have at the store, you can get a sense of the overall feel of each distinct size, letting you figure out which one is right for you. And if you keep these ideas in mind, you’re sure to find the best upright bass for your needs. Good luck!

 

Laras Slendro dan Pelog Dalam Karawitan Jawa

Dalam musik karawitan jawa seringkali kita dengar istilah laras slendro dan laras pelog, kedua laras tersebut dalam istilah musik modern bisa disebut sebagai ‘tangga nada’ yakni susunan nada dalam satu oktaf. Kedua laras sering digunakan dalam gending yang dimainkan dengan seperangkat gamelan jawa. Gending adalah susunan melodi yang membentuk suasana dan karakter tertentu dalam musik jawa.

Laras slendro merupakan sistem urutan nada yang terdiri dari lima nada dalam satu gembyang (oktaf), nada tersebut diantaranya ; 1 (ji), 2 (ro), 3 (lu), 5 (mo), 6 (nem). Istilah ji, ro, lu, mo, nem tersebut merupakan nama singkatan angka dari bahasa jawa, ji berarti siji (satu), ro berarti loro (dua) lu berarti telu (tiga), mo berarti limo (lima) dan nem berarti enem (enam).

Selain menggunakan singkatan nama, dalam laras juga sering digunakan istilah tradisional lainnya untuk menyebut setiap nada. Istilah tradisional tersebut diantaranya (1) Panunggal yang berarti kepala, (2) gulu yang berarti leher, (3) dada, (5) lima yang berarti lima jari pada tangan, dan (6) enem.

Dalam pertunjukan wayang kulit laras slendro seringkali dimainkan untuk adegan perang, barisan prajurit dan adegan lainnya. Secara emosional gending-gending yang menggunakan laras slendro dapat memunculkan perasaan gembira, ramai dan menyenangkan. Meski demikian, untuk gending-gending tertentu laras slendro dalam karawitan juga mampu menghasilkan suasana yang mampu memancing kesedihan, kerinduan, rasa cinta dan lain-lain.

Selain laras slendro, dalam karawitan jawa juga dikenal istilah laras pelog, yakni tangga nada yang terdiri dari tujuh nada yang berbeda. Nada-nada tersebut diantaranya nada; 1 (ji), 2 (ro), 3 (lu), 4 (pat), 5 (mo), 6 (nem) dan 7 (pi). Jika dibandingkan dengan tangga nada diatonis, susunan tangga nada pelog kurang lebih sama dengan susunan tangga nada mayor (do, re, mi, fa, so, la, si, do), namun penyebutan untuk karawitan tetap menggunakan bahasa jawa (ji, ro, lu, pat, mo, nem, pi).

Dalam memainkan laras pelog dalam gending, masih dapat dibagi lagi menjadi dua yaitu Pelog Barang, dan Pelog Bem. Pelog Barang tidak pernah membunyikan nada 1, sedangkan pelog Bem tidak pernah membunyikan nada 7.

Musik Karo, indah tapi terlupakan

A.    Perkembangan Musik Karo

Musik tidak dapat dipisahkan dalam kehidupan suku karo, baik dalam kehidupan sehari-hari maupun dalam praktek adat dan budaya. Tanah karo yang merupakan daerah dataran tinggi yang subur dan memiliki dua gunung berapi yang masih aktif sehingga sebagian besar bermata pencaharian sebagai petani. Dan dalam prakteknya suku karo banyak memasukkan unsure seni musik sebagai bagian dari kehidupan agraris itu sendiri, misalnya nyanyian dalam memanggil angin ketika “ngangin page” yaitu memisahkan padi dari sisa batang ketika panen padi, ketika “ngeria” yaitu proses untuk mendapatkan air manis atau nira dari pohon enau dan aktifitas lainya.

Dalam kegiatan adat sendiri musik juga mengambil peranan yang penting dalam suku karo, seperti misalnya dalam pesta adat pernikahan maupun kematian. Bahkan tidak hanya musik, tapi juga tarian memiliki peranan yang dominan dalam praktek peradatan. Dalam budaya suku karo tarian digunakan untuk mengekpresikan tidak saja kondisi sukacita tapi juga dukacita, dan perbedaan perayaan-perayaan tersebut bisa kita lihat dari jenis tarian dan tipikal musik yang digunakan dalam acara tersebut.

Musik karo dapat kita bagi menjadi musik karo tradisional dan musik karo modern. Musik karo tradisional merupakan alat musik asli suku karo yang secara umum dapat kita bagi menjadi dua macam musik ensambel yaitu : Gendang Telu Sidalanen dan Gendang Lima Sendalanen.

•      Gendang Telu Sidalanen

Merupakan suatu musik ensemble yang terdiri dari tiga alat musik yang dimainkan bersamaan secara harmois, yang terdiri dari :

(1) Kulcapi/balobat,

(2) ketengketeng, dan

(3) mangkok

Dalam ensambel  ini ada dua istrumen yang bisa digunakan sebagai pembawa melodi yaitu  Kulcapi  atau  balobat.  Pemakaian  Kulcapi atau balobat  sebagai pembawa melodi dilakukan secara terpisah dalam upacara yang berbeda.  Sedangkan  Keteng-keteng dan  mangkok merupakan alat musik pengiring yang menghasilkan pola-pola ritem yang bersifat konstan dan repetitif. Dalam pola permainan alat musik  keteng-keteng  terdapat  sora/bunyi, penganak, gung, cak-cak  (pola ritem)  singanaki dan singindungi. Pola pukulan mangkok merupakan pukulan konstan berulang-ulang mengikuti pola permainan  penganak atau  gung dalam Gendang Lima Sendalanen.

•      Gendang Lima Sendalanen

Gendang Lima Sendalanen  sering juga disebut dengan istilah Gendang Sarune Merupakan suatu musik ensemble yang terdiri dari lima alat musik yang dimainkan bersamaan secara harmois, yang terdiri dari 5 (lima)  buah alat musik, yaitu:

(1)  Sarune,

(2)  Gendang singanaki,

(3)  Gendang singindungi,

(4) Penganak, dan

(5) Gung

Gendang Lima Sendalanen atau Gendang Sarune inilah yang masih dilestarikan dan dapat kita temukan dalam prosesi pemakaman suku karo secara umum. Sedangkan Gendang Telu Sendalenen mungkin akan cukup sulit kita temui lagi selain di sanggar seni musik tradisional karo atau di komunitas pecinta musik karo atau juga di lingkukan gereja GBKP yang memang masih melestarikan. Meskipun banyak kita temui dalam musik modern juga telah terakulturasi antara musik karo tradisional dengan musik modern, misalnya penggunaan kulcapi atau gendang dalam gendang keyboard karo.

Sedangkan musik modern karo atau sering disebut juga dengan istilah gendang keyboard karo menggunakan alat-alat musik modern untuk mengiringi lagu karo. Musik modern dikenal dalam khazanah musik karo sekitar awal 1980-an dalam beberapa referensi menyebutkan bahwa Jasa Tarigan adalah “biang kerok” masuknya musik keyboard dalam budaya musik karo. Sehingga dewasa ini sudah dikenal istilah Gendang Keyboard Karo yang umumnya kita temui pada acara pesta perkawinan, kerja tahun dan lainnya.

Selain alat-alat musik yang telah disebutkan diatas, ternyata suku karo memiliki alat musik gesek yang bernama murbab. Meskipun penulis sebelumnya tidak pernah mendengar lagi tentang jenis alat musik ini

Murbab adalah salah satu instrument musik tradisional Karo, yang merupakan alat musik  dalam kategori instrumen ber-dawai. Murbab merupakan satu-satunya alat musik tradisional Karo yang dimainkan dengan cara digesek. Dan dulunya, murbab ini dipermainkan secara solo ataupun juga ansambel sebagai melodi. Besar kemungkinan alat musik ini sudah punah

Sangat mungkin terdapat intrumen-intrumen musik karo yang lain seperti ditunjukkan pada gambar diatas yang sudah tidak dapat kita inventaris lagi. Dalam gambar diatas ditunjukkan ada gendang (disamping gambar kulcapi) yang penulis sendiri tidak pernah melihat sama sekali . Dan gambar-gambar referensi yang penulis cari juga lebih banyak menautkan ke web-web berbahasa belanda seperti tropenmuseum diatas saya tidak tahu apakah alat-alat tersebut masih disimpan disana atau mungkin juga alat-alat tersebut memang sudah punah sama sekali, wala hu alam

B.    Kulcapi

       I.            Pengenalan Kulcapi

Seperti yang sudah diuraikan diatas, Kulcapi sendiri merupakan salah satu bagian dari jenis musik ensambel karo yaitu musik “Gendang Telu Sedalanen”. Kulcapi merupakan alat musik petik berbentuk  lute yang berfungsi sebagai melodi, terdiri dari dua buah senar  (two-strenged fretted-necked lute). Dahulu kala senarnya terbuat dari akar pohon aren (enau) namun sekarang telah diganti senar metal dan juga tunning peg-nya juga telah diganti menjadi tunning peg gitar modern yang dahulunya menggunakan pohon bambu/kayu sehingga cara menyetemnya harus dengan cara menarik dahulu sumbatan setem tersebut lalu disetem. Langkup Kulcapi (bagian depan resonator  Kulcapi) tidak terdapat lobang resonator, justru lobang resonator (disebut babah) terdapat pada bagian belakang Kulcapi

II.            Nada Pada Kulcapi Karo

Sebagai informasi perlu saya beritahukan bahwa penjelasan nada yang akan penulis jelaskan merupakan penjelasan berdasarkan kesimpulan pribadi dan tidak memiliki referensi formal yang resmi dan berdasarkan pada instrument kulcapi yang penulis miliki sendiri, sehingga ketidaksesuain mungkin saja terjadi dikarenakan oleh peletakan fret pada finger board yang berbeda jarak dan ukurannya pada masing-masing kulcapi tergantung pada si pembuat kulcapi sendiri, karna seperti yang kita ketahui belum ada standarisasi yang baku dan formal pada pembuatan kulcapi.

Sejatinya pada kulcapi karo pada awalnya tidak pernah dipasangkan fret/pembatas nada seperti yang banyak kita temukan sekarang ini, sehingga dalam penentuan nada ketika bermain sebenarnya lebih mirip biola daripada gitar. Namun untuk memudahkan pemain dan kejelasan bunyi yang dihasilkan maka banyak pembuat kulcapi sekarang yang sengaja menambahkan sendiri fret pada finger board kulcapi karo.

Pada umumnya terdapat 5 fret yang dipasang pada kulcapi, namun untuk mencapai nada satu oktav kita harus memainkannya sampai pada fret 9 pada fret transparent (yang tidak terpasang). Namun secara umum nada pada kulcapi karo dapat dijelaskan sebagai berikut:

Contoh, untuk interval nada mayor dimana: do=C dapat ditulis sbb:

Penyeteman nada pada setiap fret kulcapi pada umumnya dapat dilihat seperti gambar berikut:

III.            Cara Bermain Kulcapi

Kulcapi sendiri merupakan alat musik yang sering difungsikan sebagai melodi karna hanya memiliki dua senar meskipun bisa digunakan untuk mengisi intensitas kord dengan memainkan 2 nada kord secara bersamaan misalnya nada do danmi untuk bermain di kord C Mayor yang seharusnya terdiri dari 3 nada yaitu do, mi dan sol. Sebagai fungsi melodi karna keterbatasan pengetahuan secara teoritis penulis hanya bisa menyarankan untuk langsung melakukan praktek. Untuk memainkan melodi di kulcapi sebenarnya tidaklah terlalu rumit apalagi dilengkapi dengan kemampuan bermain gitar tentu akan sangat menolong karna tinggal membiasakan diri dengan letak nada di tiap fret yang dimiliki kulcapi.Secara umum musik etnik di Indonesia menggunakan jenis lima tangga nada mayor atau Major Pentatonic Scales, Beda halnya dengan musik Karo, meskipun sebenarnya juga ditemukan skala mayor namun ciri Karo-nya lebih dikenal skala minor (minor scale) ditambah dengan rengget (melisma) sebagai gaya baik dalam menyanyi maupun instrumen musik. Nah rengget/melisma inilah yang merupakan salah satu ciri khas yang dimiliki oleh musik karo. Dalam memainkan Kulcapi, lobang resonator (babah) tersebut juga berfungsi untuk mengubah warna bunyi (efek bunyi) dengan cara  tonggum, yakni suatu teknik permainan  Kulcapi dengan cara mendekapkan seluruh/sebagian babah Kulcapi ke badan pemain Kulcapi secara berulang dalam waktu tertentu. Efek bunyi Kulcapi  yang dihasilkan melalui tehnik tonggum ini hampir menyerupai efek bunyi echo pada alat musik elektronik pada umumnya.

Harmonika; Berasal dari Alat Musik Cina

Harmonika adalah sebuah alat musik yang paling mudah dimainkan. Hanya tinggal meniup dan menghisapnya harmonika akan mengeluarkan suara yang cukup bagus. Harmonika berasal dari alat musik tradisional China yang bernama ‘Sheng’ yang telah digunakan kira-kira 5000 tahun yang lalu sejak kekaisaran Nyu-kwa.

Harmonika modern ditemukan pada tahun 1821 oleh Christian Friedrich Buschmann. Sebuah instrumen musik tiup sederhana yang terdiri dari plat-plat getar dari logam yang disusun secara horozontal dengan desain yang kurang baik dan hanya menyediakan nada tiup kromatis.

Desain awal dari Buschmann akhirnya banyak ditiru dan dimodifikasi menjadi lebih baik. Salah satu contohnya adalah harmonika buatan Richter yang merupakan desain awal dari sebuah harmonika modern. Pada tahun 1826 ia mengembangkan variasi harmonika dengan 10 lubang tetap dan 20 pelat getar dengan pemisahan fungsi pelat yang ditiup dan yang dihisap. Pada akhirnya, nada yang dibuat oleh Richter disebut sebagai nada diatonis dan merupakan nada standard harmonika.

Bisnis instrumen Harmonika dimulai pada tahun 1857 saat pengrajin jam Jerman bernama Matthias Hohner memutuskan untuk menjadi produsen harmonika. Dengan bantuan dari keluarganya, ia dapat memproduksi 650 harmonika tahun itu. Hohner memperkenalkan harmonika ke Amerika Utara pada 1862 sebuah langkah yang membawa pabrikan Hohner menjadi produsen nomor satu utnuk harmonika. Pada 1887 Hohner telah memproduksi lebih dari 1 juta harmonika per tahunnya. Sekarang, Hohner telah memproduksi lebih dari 90 model harmonika yang berbeda jenis, nada, dan model. Yang memungkinkan untuk memainkan berbagai macam gaya musik mulai dari pop, blues, rock, country, ska dan bermacam-macam lainnya.

Sasando; Alat Musik dari Pulau Rote

Sasando adalah sebuah alat instrumen petik musik. Instumen musik ini berasal dari pulau Rote, Nusa Tenggara Timur.  Secara harfiah nama Sasando digunakan di kalangan masyarakat Rote sejak abad ke-7. Sasando berasal dari kata sari (petik) dan sando (bergetar) yang diyakini diciptakan Sanggu Ana pada abad ke-15 di pulau kecil dekat Pulau Rote, yaitu Pulau Dana, yang waktu itu dikuasai Raja Taka La’a. Sanggu adalah warga Nusa Ti’i di Pulau Rote Barat Daya. Dia ditahan Raja Dana saat terdampar di pulau itu ketika mencari ikan bersama kawannya, Mankoa. Selain seorang nelayan, Sanggu juga seorang seniman.

Saat itu Raja Dana memiliki putri. “Tidak disebutkan siapa nama putri ini,” kata Nggebu. Putri jatuh cinta kepada Sanggu. Kepada Sanggu, putri menyampaikan permintaannya untuk memiliki alat musik baru yang diciptakan Sanggu dan bisa menghibur rakyat. Putri memang suka membuat hiburan rakyat saat purnama tiba. Sanggu kemudian menciptakan sari sando yang artinya bergetar saat dipetik. Saat itu dengan tujuh tali yang terbuat dari serat kulit kayu atau akar-akaran.

Sasando memiliki notasi yang tidak beraturan dan tidak terlihat karena terbungkus resonator. Sasando dimainkan dengan dua tangan dari arah berlawanan, kiri ke kanan dan kanan ke kiri. Tangan kiri berfungsi memainkan melodi dan bas,  sementara tangan kanan bertugas memainkan accord.          

Sasando mempunyai media pemantul suara yang  terbuat dari daun Pohon Gebang (sejenis Pohon Lontar yang banyak tumbuh di Pulau Timor dan Pulau Rote) yang dilekuk menjadi setengah melingkar. Tempat senar-senar diikat terbuat dari bambu yang keras, penahan senar yang sekaligus sebagai pengatur nada senar juga terbuat dari bambu. Batang bambu itu lalu diikat menyatu dengan daun Gebang yang dibuat melingkar tadi. Tabung sasando ini terletak dalam sebuah wadah yang terbuat dari semacam anyaman daun lontar yang dibuat seperti kipas.

Wadah ini adalah tempat resonansi sasando. Bunyi sasando sangat unik, karena dibanding gitar biasa sasando lebih bervariasi. Jangan heran, hal ini karena sasando memiliki 28 senar. Itulah sebabnya memainkan Sasando tidaklah mudah  karena seorang pemain Sasando harus  mampu membuat ritme dan feeling bunyi nada yang tepat dari seluruh senar yang ada. Sasando dengan 28 senar ini dinamakan  Sasando engkel, sedangkan jenis Sasando dobel memiliki 56 senar, bahkan ada yang 84 senar.

Sasando saat ini sudah mulai langka karena tidak ada orang yang mau memainkannya lagi. Tetapi berbeda dengan Jacko H.A. Bullan. Ia adalah salah satu dari 8 orang pewaris sasando rote yang tersisa. Untuk mendukung niatnya melestarikan sasando ia pindah ke Jakarta. Dan hasilnya pun sepadan, order manggung Jack semakin banyak. Sejumlah negara pun pernah ia datangi untuk pentas mulai dari Malaysia, Jepang, hingga Spanyol. Di Jakarta, Jack membuka rumahnya bagi siapa pun yang ingin belajar sasando.

Jack mengaku bahwa ia tidak pernah menerima biaya apapun dalam pelestarian sasando. Padahal ada program maestro seni tradisi (bantuan Rp 1 juta/orang/bulan selama seumur hidup) yang disediakan oleh Depbudpar. Tanpa mengambil program tersebut, Jack terus berusaha dengan cara consumer selling ke target utama pasar pariwisata Indonesia. Dengan begitu Jack tidak akan menjadi generasi terakhir pemetik sasando.

A Brief History of the Blues

When you think of the blues, you think about misfortune, betrayal and regret. You lose your job, you get the blues. Your mate falls out of love with you, you get the blues. Your dog dies, you get the blues.

While blues lyrics often deal with personal adversity, the music itself goes far beyond self-pity. The blues is also about overcoming hard luck, saying what you feel, ridding yourself of frustration, letting your hair down, and simply having fun. The best blues is visceral, cathartic, and starkly emotional. From unbridled joy to deep sadness, no form of music communicates more genuine emotion.

The blues has deep roots in American history, particularly African-American history. The blues originated on Southern plantations in the 19th Century. Its inventors were slaves, ex-slaves and the descendants of slaves—African-American sharecroppers who sang as they toiled in the cotton and vegetable fields. It's generally accepted that the music evolved from African spirituals, African chants, work songs, field hollers, rural fife and drum music, revivalist hymns, and country dance music.

The blues grew up in the Mississippi Delta just upriver from New Orleans, the birthplace of jazz. Blues and jazz have always influenced each other, and they still interact in countless ways today.

Unlike jazz, the blues didn't spread out significantly from the South to the Midwest until the 1930s and '40s. Once the Delta blues made their way up the Mississippi to urban areas, the music evolved into electrified Chicago blues, other regional blues styles, and various jazz-blues hybrids. A decade or so later the blues gave birth to rhythm 'n blues and rock 'n roll.

No single person invented the blues, but many people claimed to have discovered the genre. For instance, minstrel show bandleader W.C. Handy insisted that the blues were revealed to him in 1903 by an itinerant street guitarist at a train station in Tutwiler, Mississippi.

During the middle to late 1800s, the Deep South was home to hundreds of seminal bluesmen who helped to shape the music. Unfortunately, much of this original music followed these sharecroppers to their graves. But the legacy of these earliest blues pioneers can still be heard in 1920s and '30s recordings from Mississippi, Louisiana, Texas, Georgia and other Southern states. This music is not very far removed from the field hollers and work songs of the slaves and sharecroppers. Many of the earliest blues musicians incorporated the blues into a wider repertoire that included traditional folk songs, vaudeville music, and minstrel tunes.

Without getting too technical, most blues music is comprised of 12 bars (or measures). A specific series of notes is also utilized in the blues. The individual parts of this scale are known as the blue notes.

Well-known blues pioneers from the 1920s such as Son House, Blind Lemon Jefferson, Leadbelly, Charlie Patton and Robert Johnson usually performed solo with just a guitar. Occasionally they teamed up with one or more fellow bluesmen to perform in the plantation camps, rural juke joints, and rambling shacks of the Deep South. Blues bands may have evolved from early jazz bands, gospel choirs and jug bands. Jug band music was popular in the South until the 1930s. Early jug bands variously featured jugs, guitars, mandolins, banjos, kazoos, stringed basses, harmonicas, fiddles, washboards and other everyday appliances converted into crude instruments.

When the country blues moved to the cities and other locales, it took on various regional characteristics. Hence the St. Louis blues, the Memphis blues, the Louisiana blues, etc. Chicago bluesmen such as John Lee Hooker and Muddy Waters were the first to electrify the blues and add drums and piano in the late 1940s.

Today there are many different shades of the blues. Forms include:

Traditional county blues: A general term that describes the rural blues of the Mississippi Delta, the Piedmont and other rural locales;

Jump blues: A danceable amalgam of swing and blues and a precursor to R&B. Jump blues was pioneered by Louis Jordan;

Boogie-woogie: A piano-based blues popularized by Meade Lux Lewis, Albert Ammons and Pete Johnson, and derived from barrelhouse and ragtime;

Chicago blues: Delta blues electrified;

Cool blues: A sophisticated piano-based form that owes much to jazz;

West Coast blues: Popularized mainly by Texas musicians who moved to California. West Coast blues is heavily influenced by the swing beat.

The Texas blues, Memphis blues, and St. Louis blues consist of a wide variety of subgenres. Louisiana blues is characterized by a swampy guitar or harmonica sound with lots of echo, while Kansas City blues is jazz oriented—think Count Basie. There is also the British blues, a rock-blues hybrid pioneered by John Mayall, Peter Green and Eric Clapton.

Pengaruh Jenis Kayu Sebagai Bahan Pembuatan Gitar

Terkadang keindahan suara/nada yang di hasilkan oleh  sebuah gitar seringkali membuat penasaran, kok enak banget suaranya? Renyah…empuk..dan lainya. Di benak updaters pasti muncul ? apa sih yang bikin  sedep kayak gitu ??! Nah gaes…artikel berikut ini bakal mengulas tuntas buat para pecinta gitar.

Mengenai gitar baik elektrik maupun akustik, sering kali muncul pertanyaan seperti ini di benak anda, seberapa besarkah peranan kayu yang digunakan terhadap sound yang di keluarkan? Tentunya jenis kayu mempunyai peranan yang sangat vital, beberapa artikel/pendapat para luthier [pembuat gitar] menyebut,  jenis kayu mempunyai peranan penting sekitar 40% hingga 50%. Pendapat ini secara logika  benar, harfiahnya begini :

Ketika updaters memainkan sebuah gitar, getaran suara yang muncul dari senar akan di terima oleh part/bridge pada gitar anda, kemudian setelah itu kayu akan menyerapnya dan menghantarkan signal yang muncul menuju  pickup, kemudian pickup akan mengolahnya menjadi sigal output. Dari pendapat tersebut, updaters bisa menyimpulan bahwa jenis kayu ternyata memang benar-benar sangat vital secara fungsi, so pasti kalian bakal pingin tahu kan? jadi kayu apa sih yang rekomen banget buat bikin gitar?

Berikut ini ada beberapa jenis kayu yang udah rekomen banget di dunia pergitaran dan sudah lazim di kalangan para luthier maupun pabrikan:

Basswood : Jenis kayu ini memiliki karakter yang “warm”. Jika digunakan Untuk body gitar, kayu ini memerlukan perlakuan yang rada special, karena kayu ini tidak memiliki tingkat kekerasan yang baik.

Alder : Jenis kayu alder memiliki karakter sound yang “warm” dan banyak dipakai untuk jenis gitar vintage. Fender banyak memakai kayu ini untuk produksi gitarnya. Selain itu, alder tidak di rekomendasikan banget untuk digunakan pada pembuatan neck gitar, karena tidak cukup kuat untuk menahan tarikan senar.

OAK : Jenis kayu oak ini sebenarnya “tidak terlalu istimewa” bila di gunakan untuk body gitar, walaupun masih banyak juga pabrikan yang menggunakanya. Biasanya digunakan sebagai penambah nilai estetika. Sustainnya yang di hasilkan tidak terlalu baik dan soundnya cenderung “kasar”

Ash : Jenis kayu ash memiliki karakter sound yang “bright” dan “punch” pada nada-nada bass. Serat kayunya cukup bagus, jadi cukup cakep bila di finishing natural, karena warna kayunya lebih terang. Kayu ash banyak di gunakan pada gitar maupun bass.

Poplar : Jenis kayu ini ringan, serat kayunya lebih halus dan rapat. Dari segi sound, sebenarnya banyak yang menilai sebagai perpaduan alder dan baswood.

Maple : Jenis kayu ini seringkali digunakan sebagai laminated/top pada body gitar dan bass bagian atas, hal ini dikarenakan memiliki serat kayu yang indah. Dari segi sound, maple mampu menghasilkan tone yang tebal.

Mahogany : Jenis kayu ini cukup populer di Indonesia, istilah lainya adalah kayu Mahoni. Di kalangan para luthier jenis kayu ini tidak susah untuk di dapatkan, sehingga cukup populer dan sering kali di gunakan. Warnanya yang kemerahan dan mempunyai tingkat kepadatan yang cukup baik. Dari segi sound, mahoni mampu menghasilkan sound yang cukup “warm” serta mempunyai sustain yang cukup bagus.

Rosewood : Di indonesia cukup familiar banget gaes…,istilah lainya di sebut kayu sonokeling. Banyak yang berpendapat, jenis kayu ini mempunyai serat kayu yang cukup eksotis, waranya agak gelap berpadu keunguan. Dalam praktenya, Sonokeling banyak di pakai sebagai bahan untuk fingerboard. Tetapi banyak pula yang menggunakanya sebagai bahan untuk body gitar, kebanyakan gitar akustik. Sound yang di hasilkan cenderung agak “warm”.

Ebony : Jenis Kayu ini memiliki tingkat kepadatan yang bagus, cukup keras..!! Warnanya hitam [Beberapa jenis juga berpadu dengan warna coklat]. Dalam prakteknya sering kali di gunakan sebagai fingerboard, sound yang di hasilkan cukup jelas, mempunyai artikulasi Tone yang cukup detail. Bagi kalangan luthier, banyak yang bependapat cukup merepotkan dalam penggarapan pemasangan Fret.

Nah….gaes…tentunya dari beberapa jenis kayu tadi, ada kelebihan maupun kekuranganya, tinggal seberapa besar kebutuhan yang anda inginkan ? hanya anda sendiri yang tahu. Penulis hanya sekedar menginformasikan agar memudahkan anda untuk mendapatakan sound yang di inginkan pada gitar favoritmu. Sebenarnya sih masih ada beberapa jenis kayu, seperti Spurce/pinus , kayu mangga dan lainya. Tetapi kayu-kayu di atas sudah cukup rekomen banget.

Setup Drum Keren Ala Terry Bozzio

Seorang player drum adalah bagian yang sangat penting dalam satu kelompok band, pada umumnya sebagai pengatur tempo dan beat, dan lainya. Jika updaters mempunyai drum player yang termasuk kategori “CRAZY MAN” tentu akan menjadi sebagai penambah spirit untuk bermain.

Drummer terlihat sangat macho di atas panggung jika mampu memainkan beat-beat yang membakar adrenalin. Apalagi jika dengan menggunakan setup gear yang terlihat lebih banyak yang tentunya sangat memakan tempat.

Tentunya di butuhkan kocek yang dalam untuk men-Setup Gear updaters menjadi tampak lebih wah dalam penampilan anda. Seperti penambahan pada accessories cymbal, tom, stand, dan lainya dari berbagai macam brand prodak yang ada di pasaran.

Nah gaes…., mau kayak gitu…?? Buat updaters yang demen surfing online, mungkin sudah pada tahu dengan om Terry Bozzio, drummer kelas wahid yang banyak membantu project-project musisi papan atas dunia seperti Frank Zappa, Polytown,Dll. Di kenal dengan setting drumnya paling unik dan waaaaah….!! Bejibun gaesss…,penuh sesak setupnya.

So pasti kalau updaters pingin kayak doi, sudah bisa di tebak brapa duit yang musti di gelontorkan??

Modifikasi Wiring dan Upgrade Pada Gitar Jazzmaster

Kali ini saya akan membahas bagaimana cara untuk meng-upgrade gitar Squier Vintage Modified Jazzmaster. Ada beberapa contoh layout wiring diagram racikan Andy Rothstein untuk modifikasi yang lebih fleksibel. Untuk suku cadangnya bisa anda peroleh di toko penjual sparepart yang ada di Indonesia atau anda bisa dapatkan disitus-situs luar negeri seperti reverb dan lainnya. Baik, langsung menuju pada modifikasi yang pertama.

Jazzmaster dengan dual volume.

Sebagai salah satu bentuk modifikasi sirkuit utama agar tampak membuat wiring gitar anda seperti Les Paul, yakni dengan menggunakan 2 buah Volume untuk masing-masing pickup. Dengan begitu, anda bisa menggabungkan posisi pickup Neck dan pickup Bridge, atau sebaliknya. Potensiometer yang direkomendasikan adalah 1 Mega Ohm.

Anda bisa mengamati Wiring Diagram dibawah ini, menunjukkan bagaimana rangkaian kabel sebagai lead circuit dengan control dual volume.

Berikutnya kita akan mempelajari bagaimana memodifikasi rhythm circuit.

→ Leo Fender Pasif Treble dan Sistem Bass

Beberapa rangkaian melanjutkan seperti mod wiring diatas (Les Paul), dengan control volume independen untuk masing-masing dua tombol volume yang berbeda.

Namun, nampaknya ini alternatif yang benar-benar keren dan berguna untuk memaksimalkan pasif treble bass tone stack (PTB) yang dibuat oleh Leo Fender seperti yang dikembangkan pada gitar G&L.

• Satu sebagai control cut treble dan lainnya untuk control cut bass.
• Keduanya dikonfigurasi sebagai “master” control, yang berarti akan mempengaruhi semua posisi pickup switch.

Control Treble Cut, yang merupakan low-pass filter, fungsinya seperti tone control standard. Sebuah filter low-pass memungkinkan pada frekuensi yang lebih rendah daripada melewati frekuensi cut-off, dan frekuensi lebih tinggi yang menggulung. Frekuensi cut-off dikendalikan oleh kapasitor dan nilai-nilai resistor.

Control Bass Cut berbeda dengan diatas. Ini adalah high-pass filter, yang merupakan kebalikan dari low-pass filter. Sebuah filter high-pass memungkinkan frekuensi yang lebih tinggi daripada melewati frekuensi cut-off, dan frekuensi lebih rendah yang menggulung. Kemampuan untuk dial out akan berguna pada beberapa frekuensi rendah, terutama untuk membantu suara overdrive lebih “pop” dan memotong melalui gabungan. Bisa disebut sebagai “mempertajam” control.

Apakah sound akan terdengar seperti itu? Berikut ini ada tiga contoh suara. Semuanya diambil dari dan setelah meng-upgrade rangkaian elektronik Squier Vintage Modified Jazzmaster dengan menggunakan mod (modifikasi rangkaian) yang sudah dijelaskan. Dengan menggunakan Curtis Novak pickup (JM-FAT bridge dan neck JM-V). Contoh tersebut direkam menggunakan ampli gitar Rebel 30, dengan menggunakan channel overdrive dari ampli itu sendiri tanpa tambahan audio maupun pedal stompbox lainnya.

contoh 1 

• Contoh kedua, potensiometer bass cut telah diperpanjang hingga 2-3 jangkauan, sehingga Anda mendengar suara yang agak tajam hasil dari bass cut tadi. Pada pickup bridge ( dengan bass cut).

contoh 2  

Contoh ketiga, kedua potensio diputar hampir penuh berlawanan. Ini efek yang tidak biasa, akan menekan lebih rendah (mid-range).

Dari ketiga contoh sound diatas bisa diambil kesimpulan, pemilihan komponen sangat penting untuk Control Bass Cut. Standard desain dari Leo Fender menggunakan potensiometer 1 meg sebagai reverse taper pot dengan kapasitor 0,002 MFD. Anda juga dapat melakukan percobaan dengan nilai kapasitor di kisaran 0,001 MFD atau 0,003 MFD. Rumusnya begini, semakin kecil nilai kapasitor, maka akan memotong bassnya. Sebagai contoh, sebuah kapasitor 0,001 MFD  akan mengurangi bass lebih banyak, dan 0,003 MFD akan lebih halus (bassnya masih terasa). Jadi, untuk nilai pot, tetap dengan 1 meg, dan reverse taper sangat penting untuk potensio agar memberikan bass secara bertahap.

Sebenarnya banyak hal yang cukup fleksibel dengan pemilihan komponen untuk mengurangi treble cut. Tetapi pilihan dengan nilai standar yang digunakan pada tone pot yang utama adalah wiring vintage Jazzmaster, yaitu dengan pot 1 meg audio taper pot dengan kapasitor 0,033 MFD.

Diagram wiring di bawah menunjukkan bagaimana menggabungkan PTB tone stack ke dalam awal diagram. Perhatikan dengan control treble cut, arahkan kapasitor pada ground, sedangkan bass cut mengontrol kapasitor ini agar sejalan dengan sinyal.

 Foto Closeup pada bass dan treble tone control. Tidak termasuk dekat dari bass dan kontrol nada treble. Perhatikan penggunaan heat shrink tubing (foto yang dilingkari) untuk mencegah terjadinya ground selama instalasi.

Jazzmaster dengan Seri / Paralel Switching

Sebuah mod yang menggunakan saklar geser adalah rangkaian seri / paralel switching. Dalam wiring tradisional Jazzmaster, ketika dua buah pickup digabungkan melalui toggle switch, hal itu disebut paralel. Rewiring saklar slide dapat menggunakan koneksi seri, yang akan menghasilkan suara berbeda secara signifikan.

• Rangkaian seri akan terdengar seperti sound humbucker, lebih kuat, gelap dan lebih jelas.
• Sebaliknya, rangkaian paralel akan terdengar lebih bright, dengan mid lebih scoop dan akan lebih twang serta sedikit kering.

Berikut ini adalah contoh sound yang menggunakan rangkaian paralel dan rangkaian seri.

series vs parallel wiring

Menempatkan semua secara bersama-sama, dalam wiring diagram dibawah ini,  menggabungkan ketiga mod: Control dual volume, PTB tone stack, dan seri atau paralel switching.

 

 Foto Closeup lengkap rhythm circuit, diikuti oleh wiring harness akhir, siap untuk dipasang pada gitar anda.

 Nah bagaimana menurutmu? menarik bukan, bagi anda pengguna gitar Jazzmaster baik merk Squier, Fender, atau lainnya tidak ada salahnya mencoba untuk mengotak-atik wiring elektronik pada gitar kesayangan agar menghasilkan sound dan tone yang sesuai diharapkan. Semoga artikel diatas sangat membantu anda. Do it yourself.

Teknik Dasar Bermain Saxophone

Saxophone merupakan alat musik yang masih tergolong dalam keluarga woodwind, biasanya alat musik ini terbuat dari logam yang dimainkan dengan cara ditiup dengan menggunakan single–reed. Saxophone ditemukan di Belgia pada tahun 1840, oleh seorang pemain clarinet dan pembuat alat musik yang bernama Adolphe Sax .

Saxophone saat ini populer dimainkan dalam permainan Jazz, beberapa nama pemain saxofon International masa kini yang terkenal adalah Dave Koz, Kenny G, Richard Elliot, Eric Marienthal, Sadao Watanabe,dan Kenny Garrett. Bagi Anda yang berminat untuk belajar musik Saxophone sebaiknya anda ketahui terlebih dahulu bahwa dalam permainan alat musik ini terdapat beberapa teknik dasar yang harus dipelajari, diantaranya adalah cara memegang saxophone, posisi saat bermain, teknik pernapasan, teknik fingering, teknik embosur, dan teknik peniupan.

Berikut ini penjelasan singkat mengenai teknik dasar bermain Saxophone:

• Memegang alat musik saxophone harus dilakukan dengan cara yang benar agar jari – jari bisa bergerak dengan leluasa saat menjangkau kunci nada, seperti posisi jari tengah, jari telunjuk, dan jari manis baik tangan kiri maupun kanan harus disesuaikan tepat pada permukaan katup nada.
• Pernafasan yang baik adalah dengan menggunakan sistem pernafasan diafragmatis. Hal ini dikarenakan volume udara yang didapat bisa lebih besar dan kuat jika dibandingkan dengan pernafasan paru – paru.
• Posisi Bermain saxophone sebaiknya dilakukan dengan sewajar mungkin baik dalam sikap berdiri maupun duduk, jangan terlalu tegang, namun juga jangan terlalu santai.
• Teknik Embosur adalah teknik untuk mengatur posisi bibir dan gigi pada mouthpiece. Bentuk ambosur yang baik adalah dengan meletakkan gigi atas pada bagian atas dari mouthpiece 
• Pada alat musik saxophone petunjuk penggunaan kunci nada dan peletakan jari - jari tangan akan diberikan petunjuk berupa tanda-tanda huruf, titik ( ) dan lingkaran kecil ( ).
• Tekhnik Peniupan yang digunakan dalam bermain saxophone disebut dengan Meniup dengan udara panas, akan tetapi agar menghasilkan suara yang indah dibutuhkan juga dukungan ambosur yang benar serta tenaga yang relatif kuat.

Teknik Dasar ini akan dipelajari lebih lengkap jika Anda belajar di kursus musik Saxophone, ada beberapa sekolah musik yang menawarkan kursus musik namun di Indonesia yang cukup populer adalah sekolah musik Yamaha. Namun pilihan tentang sekolah mana yang akan dipilih tentunya tetap ada ditangan anda. Hal itu harus disesuaikan dengan kebutuhan dan seberapa besar minat Anda dalam mempelajari alat musik saxophone.

Perbedaan Alat Musik Biola Dan Viola

Artikel ini saya buat karena kekurang ajaran saya sih yang coba-coba belajar biola. hehehehe... akhirnya terjun kedunia orkestra jadinya guys. ya mau gimana lagi. Duitnya lebih deras di orkestra ketimbang Band sih. Namun kemaren ada orang yang nanya kalo biola itu sama ya kayak violin. nah lo karna saya belum khatam di urusan alat gesek satu ini saya bingung. nah akhirnya saya pelajarin deh tentang ini alat.

Jika dilihat sepintas alat musik biola atau disebut juga dengan violin tidak memiliki perbedaan dengan viola, bahkan seringkali orang salah sangka mengenai kedua alat musik tersebut. Kesalahan yang paling sering terjadi contohnya adalah orang seringkali menyebut alat musik viola dengan biola, atau sebaliknya.

Nah, pengetahuan ini penting sekali terutama untuk Anda yang ingin belajar alat musik di sekolah musik, jangan sampai tertukar –tukar atau salah mengambil kursus karena salah interpretasi mengenai alat musik yang dimaksud. Kedua alat musik tersebut memang terlihat mirip , akan tetapi memiliki perbedaan, istilah populernya adalah serupa tapi tidak sama.

Viola sering disebut juga dengan biola alto yang berarti biola yang memiliki suara yang berat / rendah . Untuk lebih jelasnya berikut ini adalah perbedaan antara biola dan viola :

• Dari Segi Ukuran, biola ( violin ) memiliki ukuran yang lebih kecil dibandingkan dengan viola ( biola alto ).

• Senar pada biola dan viola sama – sama terdiri atas empat senar, akan tetapi  alat musik biola memiliki nada yang lebih tinggi jika dibandingkan dengan nada senar pada viola. Nada senar pada biola dimulai dari yang terendah yaitu G, D, A, dan yang tertinggi E, sedangkan Viola mulai dari nada yang terendah yaitu C, G, D dan A. Itulah mengapa viola memiliki suara yang lebih berat jika dibandingkan dengan biola.

• Pada permainan biola, pemain akan bermain di kunci G atau treble clef. Treble Clef sangat umum dipakai untuk memainkan banyak alat musik lain, contohnya : flute, saxophone, clarinet dll. Bahkan di alat musik piano pun ada. Kunci G ini sangat populer dalam permainan alat musik. Sedangkan alat musik viola tidak mempergunakan treble clef, viola mempergunakan Alto clef atau biasa disebut juga dengan kunci C.

Marshall Amplification

Kayaknya boong banget kalo ada pemain gitar gak mau sound amply marshall. yap guys, ini amply mendunia banget. Bagi saya sih ini sound amp karakternya universal. Sound ni bisa mainin berbagai macam genre musik dan equipment dengan sangat baik. Kalo di lihat dari warnanya yang emas dan silver, kayaknya memang nunjukin bahwa ini ni rajanya Sound Amp hehehehe

Marshall Amplification merupakan sebuah perusahaan multinasional yang menghasilkan berbagai macam produk alat musik. Perusahaan ini didirikan pada tahun 1962. Bermarkas di London, Britania Raya. Menghasilkan produk elektronik seperti gitar, bass, amplifier dan masih banyak lagi.

Pendirinya ialah Jim Marshall.

Industri/jasa	alat musik
Didirikan	London, Inggris (1962)
Pendiri	Jim Marshall
Kantor pusat	Bletchley, Milton Keynes, Inggris
Daerah layanan	Britania Raya, Amerika Serikat
Pemilik	Jim Marshall
Situs web	www.marshallamps.com

Hartke Bass Amp

Seperti yang saya bilang sebelumnya saya adalah pemain bass. jadi saya menaruh perhatian khusus untuk instrumen yang satu ini. tidak terkecuali untuk amply nya. nah ini ada sedikit review tentang Bass amp Hartke yang sebenarnya sih bukan karakter saya namun favorit saya Victor Wooten pake ini amp. hehehehe... kebetulan temen saya namanya Tengku Amin Fachri pakai Hartke juga. ya tergantung karakter dan selera masing-masing sih. ok ini review sedikit tentang Bass Amp Hartke.

 

Hartke Systems adalah merek elektronik terkenal untuk bass amplifier dan speaker cabinet.

Hartke memproduksi amplifier dan speaker untuk bass/gitar listrik, keyboard, gitar akustik, serta efek pedal, string dan aksesori lainnya

Hartke membuat revolusi suara amplifier bass listrik dengan menciptakan cone alumunium speaker dalam bass amplifier. Pertama kali cabinet bass Hartke dibangun untuk digunakan oleh bassist legendaris Jaco Pastorius pada tahun 1984. Beberapa artis terkenal yang menggunakan Hartke Amplifier dan speaker cabinets, termasuk yang Cream Jack Bruce, Tom Hamilton dari Aerosmith, Garry Tallent dari E-Street Band, Stu dari Joe Satriani Hamm dan banyak lainnya.

Hartke telah menjadi perhatian bassist terkenal dan mereka menggunakan Hartke Amplifier serta speaker cabinetnya, basssist tersebut seperti Jack Bruce (Cream), Tom Hamilton (Aerosmith), Garry Tallent (E-Street Band), Stu Hamm (Joe Satriani) dan banyak lagi yang lainnya.

Hartke alumunium cone speaker menghasilkan jangkauan frekuensi yang lebih luas dan memproduksi suara lebih low dan lebih High terbuat dari bahan paper cone speaker. Alumunium speaker memiliki respon lebih cepat daripada speaker dari bahan kertas dan memproduksi suara nada yang jelas.

Mereka telah memberi jawaban mengenai inovasi dalam industri musik. selain cone alumunium speaker. Design Hartke paling dicopy dalam industri. Kickback Combo telah dicopy secara luas oleh orang lain seperti dapat kita lihat logam grill Hartke yang memiliki keistimewaan yang memungkinkan untuk melihat speaker dan memberikan perlindungan tambahan.

Hartke 3500 bass amplifier adalah amplifier bass yang memiliki penjualan terbesar sepanjang sejarah.

Hartke membuat berbagai amplifier dan speaker untuk amplifikasi instrumen dan mereka memasarkannya ke seluruh dunia. Hartke menggabungkan cone speaker berbahan kertas dengan alumunium, campuran kombinasi dari alumunium dan speaker kertas dikenal sebagai "HyDrive". Saat ini produk Hartke dianggap sebagai salah satu yang terbaik dalam hal kualitas.

Hartke adalah satu satu produsen bass amplifikasi terbesar.